Árbol en Otoño

Esta obra representa un árbol en otoño, con hojas caídas a su alrededor y algunas todavía en sus ramas.

Está hecha en acrílico sobre lienzo y no se utilizaron pinceles al realizarla, usé hojas de diferentes árboles para dar una impresión más real.

And The Sun Meets Grey Days

Título: And The Sun Meets Grey Days

Fotografía

Por: Tanja Beate Heuser

Exhibido en: Coney Island Portraits

Coney Island Portraits es uno de los proyectos actuales de la artista Tanja Beate, quien quedo fascinada con este lugar la primera vez que visitó los Estados Unidos, en 1990 a la edad de 16 años. Tanja estudió del 2000 al 2008 arquitectura y diseño en Darmstadt University of Applied Sciences, desde el 2008 se desempeña como freelanse en proyectos fotográficos y de diseño.

Esta obra está exhibida en el Coney Island Portraits: colección de fotografías tomadas en Coney Island presentadas, como homenaje a la isla y a sus habitantes.

Disponible del 30 de junio al 22 de julio de 2011 en:

721 Franklin Avenue

Brooklyn, NY 11238

www.brooklynlaunchpad.org

www.viewnicethings.com

Próximas exhibiciones:

- Liebe frau sommer, komm doch bitte wieder! Zoo-bar Darmstadt , Alemania. Del 10 de octubre al 6 de diciembre de 2011.

- Picnic in Brooklyn, Sweet & Spicy. Proximamente más información.

La fotografía exhibida, de 16x 20 pulgadas, tiene un precio de $200 USD incluyendo los gastos de envío. La venta se hace vía PayPal; la imprenta está en Hoboken y la pieza se envía pocos días después de haber realizado el pago.


Para saber el precio de tamaños mas chicos y otras fotografías, contactar a la artista:

Eckhardtstr 6, 64289 Darmstadt, Alemania

+49.170.8652.630 ó  hello@viewnicethings.com


Referencias:
www.brooklynartscouncil.org/forum/1675
www.viewnicethings.com/
http://de-de.facebook.com/pages/And-the-sun-meets-grey-days/181654735234348?sk=info

Georges Seurat

Georges Seurat, nació el 2 de diciembre de 1859 en París, Francia. Fue el fundador del Neoimpresionismo, corriente que nace poco después del periodo Impresionista. Seurat fue el creador del pultillismo (“pointillismo”), característica distintiva de sus obras ya que era utilizada sólo por él; Georges trabajaba toda la noche y la mayor parte del día, era un hijo modelo, no bebía, no fumaba y sólo gastaba dinero en materiales para pintar; vivía con su madre, quien tenía bastante dinero para ambos. Según Irving Stone, en su texto Anhelo de Vivir, Georges Seurat, en su época, sabía más de color que cualquier hombre desde  Delacroix. Tenía teorías intelectuales sobre el arte, lo cual, para Stone, estaba mal pues piensa que los pintores no deben pensar en lo que hacen y deben delegar las teorías a los críticos. Se dice que Seurat trabajaba en la buhardilla de su casa, la cual era muy espaciosa y ocupaba casi la totalidad de la superficie de su casa, enormes telas sin terminar adornaban las paredes.  Seurat trabajaba con pinceles diminutos, tan pequeños que casi no eran conocidos en París, y con precisión ponía pequeños puntitos de color sobre sus telas, trabajaba tranquilamente, sin emoción, como si fuera una maquina. Mantenía su pincel recto en la mano y colocaba cientos y cientos de puntitos todos juntos. Las pinturas de Seurat no eran parecidas a las que se pintaban en ese entonces, pues pretendía transformar la pintura de una experiencia personal a una ciencia abstracta, donde se pudieran clasificar las emociones del pintor y llegar a una precisión mental matemática, él decía que toda emoción humana podía y debía ser reducida a una manifestación abstracta de color, línea y tono. Seurat murió de difteria a los 31 años, y fue incinerado en el cementerio de Père Lachaise. Su muerte evitó que terminara sus investigaciones en el puntillismo, el divisionismo y en la física de los colores.

Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte

Una de sus obras representativas es: “Una Tarde de Domingo en la Isla de la Grande Jatte” (“Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte”), escena que representa seres humanos de proporciones arquitectónicas, realizados con infinidad de puntos de color, que se mantienen erguidos como pilares de una catedral gótica. El pasto, el río, los botes, los árboles, todo son masas vagas y abstractas de puntitos de luz. El cuadro tiene un colorido brillante y claro, mucho más claro que el usado por Manet o Degas, o aún por Gauguin, si tiene vida, no es la vida de la naturaleza, el aire de la obra está lleno de brillante luminosidad pero no puede encontrarse un soplo por ningún lado. Es una “naturaleza muerta” de la vida vibrante, de la cual se ha desterrado para siempre el movimiento. En la obra existe una perfecta igualdad entre los tonos frios y calidos, entre el color oscuro y claro. “La isla de la Grande Jatte” es considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del Siglo XIX, Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehízo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. El cuadro tiene aproximadamente 2x3m y fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista, en 1886. Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Seurat creía que esta forma de pintura haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas.

Cirque

             El circo (“Cirque”) realizado en óleo sobre lienzo mide 180cm de alto y 148cm de ancho, fue pintado en 1891 y se encuentra en el Museo de Orsay en París. En esta escena se observa el jinete, el entrenador, la galería y los espectadores. En base a su teoría de los tres elementos de la pintura (la línea, el tono y el color), el propósito de Seurat era sugerir la alegría, llevó todas sus líneas por encima de la horizontal, hizo que los colores luminosos dominaran, lo mismo que los tonos calidos. El resultado final del cuadro, complació a Seurat plenamente, la abstracción y la esencia de la alegría se había logrado. Esta obra trata el tema del circo, frecuentado en los años 1880 por otros autores como Renoir, Degas y Toulouse-Lautrec. Seurat lo trata con la técnica puntillista, en un cuadro en el que predomina el color amarillo, redujo su paleta a cuatro colores principales, con sus tonos intermedios, en estado puro; predominan el amarillo y el violeta, complementarios. Usaba esos colores en estado puro, mediante pequeños toques yuxtapuestos que se fundían en la retina del espectador. Es la última obra de Seurat, sobre la cual Realizó numerosos bocetos, la empezó un año antes de morir de difteria, lamentablemente la dejó incompleta a causa de su muerte. 

Fuentes:

Anhelo de Vivir, Irving Stone, Ed. Diana

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/seurat.htm

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=369

Tláloc

Tláloc

 Es el nombre del dios de la lluvia y la fertilidad, en la religión náhuatl. También era conocido en toda el área de Mesoamérica con diferentes nombres.

Estatua de Tláloc a las afueras del Museo 

Nacional de Antropología e Historia en la Ciudad de México.

Originalmente, representaba el agua terrestre y la serpiente emplumada el agua celeste. Los mexicas lo tenían como el responsable de los períodos de sequía y lluvias torrenciales y hacían sacrificios de niños para honrarlo en el primer mes del año.

Es originario de la cultura de Teotihuacán, después pasó a Tula, y de ahí se esparció entre los pueblos nahuas. Tláloc fue una de las divinidades más antiguas y veneradas de toda Mesoamérica, su culto se extendió por gran parte del territorio centroamericano.

Tláloc fue uno de los Dioses más importantes en el altiplano de México, de los más representados y de mayor antigüedad.

Caracterisitcas de Tláloc según Rubén Bonifaz Nuño:

- Tláloc Tlatecuhitli

- Es a la vez hombre y mujer, ambas cosas pero ni una ni la otra.

- Tiene figura humana.

- Su destino es favorecer las lluvias, el crecimiento de las plantas y las cocechas.

Caracterisitcas de Tláloc según Fray Bernardino de Sahagun

- Tláloc Tlamacazqui

- Dios de las lluvias

- Regaba la tierra, criaba las yerbas, árboles y frutos.

- Enviaba granizo, relámpagos, rayos y tempestades de agua.

- Controlaba los peligros de los ríos y el mar.

- Su nombre significa que habita en el paraíso terrenal, da a los hombres el mantenimiento necesario para la vida corporal.

Se le manifestaba siempre con unos atributos característicos:

- Anteojeras formadas por unas serpientes que se entrelazan y cuyos colmillos acaban siendo las fauces del dios.

- Una especie de bigotera que es su labio superior, se cree que este gran labio es el símbolo de la entrada al inframundo.

- La cara está casi siempre pintada de color negro, azul, o verde, para imitar los aspectos del agua.

- Lleva en la mano una especie de estandarte de oro, largo y con forma de culebra, terminado en punta, representa los relámpagos y los truenos que acompañan a la lluvia.

- En los dibujos de los códices puede verse que sus vestidos tienen pintados unas manchas que son el símbolo de las gotas de agua.

Tláloc, Colección E. Eug. Goupil, siglo XVII

Tláloc, Códice Ríos.

Tláloc, Vasija policromada de cerámica 

del Templo de Tenochtitlán, México

Fuentes: 

Bonifaz, R. (1986). Imagen de Tláloc. México: UNAM.

Sahagún, F. Historia General de las Casas de Nueva España, México: Porrua.

http://es.wikipedia.org/wiki/Tláloc

http://www.inah.gob.mx/index.php/boletines/14-hallazgos/5200-descubren-ofrenda-a-tlaloc-en-sierra-de-morelos

http://www.arqueomex.com/S2N3nTlaloc96.html

http://www.windows2universe.org/mythology/tlaloc_rain.html&lang=sp

Lilia Carrillo, Informalismo en México

Lilia Carrillo

(1930-1974)

Pintora mexicana, considerada como la introductora del Informalismo Abstracto en México.

Nació en la Ciudad de México el 2 de noviembre 1930, inició sus estudios con Manuel Rodríguez Lozano, fue a la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, donde tomó cursos con Agustín Lazo y Pablo O'Higgins. Se graduó en pintura en 1951 y en el mismo año se casó con Ricardo Guerra.

          En 1953 viajó a París para estudiar en la Academia de la Grande Chaumiere, estando ahí expuso en la Maison du Mexique y en la Exposición de Artistas Extranjeros en Francia, regresó a México en 1955.

          Entre 1957 y 1960 trabajó y expuso en la galería Antonio Souza y en las Galaerías Chapultepec, actualmente: el Museo de Arte Moderno

          A partir de 1960 su obra se expusó en Washington, Nueva York, Tokio, Lima, São Paulo, Madrid, Barcelona, Bogotá y Cuba.

          En 1966 participó en la ceremonia “Confrontación 66” en el Palacio de Bellas Artes donde se aconteció una discusión sobre las nuevas tendencias y los últimos representantes de la escuela mexicana de pintura. Este suceso dio lugar al nacimiento del grupo conocido como: Generación de la Ruptura al cual pertenece y donde se reconoció que sus obras abrieron la Tendencia Informalista en México.

Participó en: 

- MAM Chapultepec

- Teatro de la Paz

- Casa de las Américas, Cuba

- Museo de Ciencias y Arte, UNAM

- Salón Independiente

          Un aneurisma en la médula espinal en el año de 1970 le afectó la columna vertebral y quedó parcialmente paralizada; después de dos años en el hospital regresó a su casa y pintó nueve cuadros, uno especialmente para el MAM con tonos blancos ambarinos y grises etéreos.

          Lilia expresaba en sus pinturas abstracción poética e informalismo por lo cual sus obras no son plenamente comprendidas pues para esto hay que aportar subjetividad y relacionarse con los recursos estéticos, psicológicos y filosóficos de su tiempo.


          Gloria Hernández Jiménez, ensayista femenina dice que Lilia expresa un lenguaje pictórico para manifestar su lenguaje oral, también sugiere que Lilia se opone a la lógica lineal y prefiere la abstracción y subjetividad.

Fuentes:

Tibol, R. (2002). Ser y Ver Mujeres en las Artes Visuales. México: Plaza y Janés Editores.

- Pintores del siglo XX http://www.arts-history.mx/sitios/index.php?id_sitio=1323154&id_seccion=354334&id_subseccion=590858&id_documento=1955 15 de octubre de 2011.

- Biografias mexicanas http://biografias-mexicanos-celebres.blogspot.com/2010/11/lilia-carrillo.html 15 de octubre de 2011.

- Artista mexicano http://www.latinamericanart.com/es/artistas/lilia-carrillo/biografia.html 15 de octubre de 2011.
- Lilia Carrillo http://www.ecured.cu/index.php/Lilia_Carrillo 22 de octubre de 2011.

Flying Pig

Esta pintura está hecha con la técnica de Temple, en la cual se utiliza huevo y pigmentos molidos para pintar. Le di el nombre de 'Flying Pig' porque traté de plasmar un cerdo dando un salto desde un trampolín, aunque también cada persona puede darle diferentes contextos y significados. Me pareció muy interesante la técnica y su historia además de los beneficios que proporciona al pintor.

Neolítico

Neolítico

(piedra nueva)

-10000 al -3000

El Neolitico es un periodo en la historia que abarca desde las costas de Siria y Palestina hasta Turquia para después difundirse por Europa a través de los Balcanes.

             Las condiciones de estas zonas geográficas, el descubrimiento de la agricultura y la domesticación de los animales permitieron en asentamiento de poblaciones semi-permanentes, lo que dio inicio a la arquitectura (un arte social); se construyen cabañas y chozas agrupadas en aldeas y, más tarde, en ciudades donde también se construyeron edificios para satisfacer las necesidades de la comunidad.

             Durante este periodo se desarro la escultura, utilizando como maletiales principales la piedra, arcilla, marfil y hueso. Evolucionaron los trazos en la pintura rupestre representando así una mayor animación en escenas de grupo (guerra y caza).

              El periodo principalmente se destaca por sus construcciones Megaliticas que se clasifican como:

              - Menhir: Monolito de gran tamaño en posición vertical.

              - Dolmen (cueva artificial): Piedras verticales sobre las que descansa una gran piedra mmmm- horizontal.

              - Cromlech: Conjunto de Dolmens y Menhires. 

Menhir

Dolmen

              Muchos monumentos megalíticos se hallan en el sur de Inglaterra e Irlanda, y sur de España y Portugal

              Uno de los mas representativos de estos monumentos es Stoneghenge del tipo Cromlech situado en Inglaterra, de construcción circular y representativo del periodo Neolítico; Stoneghenge estaba ubicado en un grupo de monumentos megaliticos y cerca de una aldea de gran población. El por qué de la construcción de estos grandes monumentos no es conocido en su totalidad pero se cree que se utilizaban como templos religiosos y monumentos funerarios y de observación astronómica.

Cromlech - Stoneghenge, Inglaterra

              
             En conclusión, el Neolitico es un periodo de gran importancia que puede considerarse como un hito en la historia y un punto de inflexión en el desarrollo de nuevas y mejores técnicas de pintura, arquitectura y artesanía.

Bibliografía:

    Historia Universal del Arte Prehistoria y primeras Civilizaciones, Pliar Gonzalez Serrano.

    Arqueología del Lenguaje, La conducta Simbólica en el Neolitico, Angel Rivera Arrizabalaga.